Le MoMA à Paris

Jean de Loisy reçoit, au micro de France Culture, Glenn D. Lowry, directeur du Museum of Modern Art, et Alfred Pacquement, ancien directeur du Musée national d’art moderne au Centre Pompidou, pour un entretien croisé, au cours duquel sont abordées les questions de la gestion des institutions, les rapports entre public et privé, la place des collectionneurs, celle des artistes et des œuvres. Un formidable document enregistré à la Fondation Louis Vuitton à l’occasion de l’inauguration de l’exposition Etre moderne : Le MoMA à Paris.

C’est à l’occasion des travaux en cours au MoMA de New York,  que ces 200 œuvres exceptionnelles de Cézanne, Picasso, Hopper, Walt Disney, Warhol, Pollock, Frank Stella, Shigetaka Kurita,… sont exposées à la Fondation Louis Vuitton. Visiter cette exposition, c’est aussi l’occasion de revenir sur l’histoire du MoMA, ce musée fondé en 1929 par Alfred H. Barr à la demande de trois mécènes : Abby Aldrich Rockefeller, Lillie P. Bliss et Mary Quinn Sullivan, musée qui s’est rapidement imposé comme l’une des places incontournables de l’art moderne. Exposition visible jusqu’au 5 mars 2018.

Paris fut le centre de la modernité artistique de la fin du XIXe siècle jusqu’aux années quarante. C’est à Paris que sont nés le cubisme, le surréalisme, et que Marcel Duchamp planta, en 1913, une roue de bicyclette dans un tabouret. Puis, dans les années quarante, New York devint à son tour le centre de gravité de l’art moderne, avec Pollock, Rothko, l’expressionniste abstrait, l’action painting, le minimalisme, Warhol… et Duchamp encore ! Cette relation entre les deux capitales a fait l’objet, en 1977,  de la première des quatre expositions de la série Paris, organisées par Pontus Hulten alors directeur du Musée national d'art moderne au Centre Georges Pompidou. Viendront par la suite Paris – Berlin en 1978, Paris – Moscou en 1979, et Paris – Paris en 1981. Les catalogues encyclopédiques de chacune de ces expositions sont devenus des pièces de collection.

Du fauvisme au surréalisme, Paris fut le théâtre d’une succession de mouvements artistiques qui sont autant de chapitres de l’histoire de l’art. Ce bouillonnement, de Montmartre à Montparnasse, on le doit au mélange d’artistes de toutes nationalités, ces expatriés attirés par l’art contemporain alors florissant à Paris, mais aussi à des galeristes et mécènes qui les imposèrent, souvent en luttant à contre-courant du bon goût des académies et du grand public. C’est toute cette histoire qui est racontée ici par Dan Franck, Amélie Harrault, Pauline Gaillard  et Valérie Loiseleux dans une série d’animation qui mélange toutes les techniques, pour un hommage à la hauteur de son sujet.

En plantant une roue dans un tabouret et en inventant le ready-made, Marcel Duchamp n’a pas simplement changer la définition d’une œuvre d’art, il a surtout changé le rôle du regardeur. "C’est le regardeur qui fait l’œuvre", déclara-t-il au cours d’une conférence en 1965. L’entretien qu’il accorde à Pierre Cabanne en 1966, deux ans avant sa mort, lui permet de revenir sur son parcours, ses expériences artistiques mais aussi sur sa vie privée.

L'exposition Cubism and Abstract Art organisée par Alfred H Barr, au MoMA de New York en 1936, fut l’un des moments-clés de l’art moderne. Elle permit non seulement d’établir des filiations entre des œuvres et des artistes, mais elle marqua également l'histoire de la muséographie de l'art moderne de la première moitié du XXe siècle en mettant en lumière les relations entre l'Europe et les États-Unis. La couverture du catalogue (que l'on peut feuilletter sur le site du MoMA) et son diagramme devenu fameux, marqua aussi les esprits et sera copié à de nombreuses occasions.

Au cours d’un entretien où on demandait à Glenn D. Lowry, l’actuel directeur du MoMA, si la prestigieuse institution avait laissé passer des mouvements ou des artistes importants, Lowry répondit avec franchise que Jean-Michel Basquiat était l’un de ceux-là. Basquiat, l’étoile filante de la peinture qui passa en quelques années des squats du Lower East Side aux plus grandes galeries, et disparut à l’âge de 27 ans. The Radiant Child est un documentaire composé d’une interview de Basquiat enregistrée en 1986, deux ans avant sa disparition, et de témoignages de proches et de témoins de l’époque. Un document exceptionnel.

La modernité puise souvent ses origines et son énergie dans les marges et les mouvements spontanés qui se développent en dehors de toute institution. C’est cette exploration des courants souterrains, l’underground, qui a toujours motivé Jean-François Bizot, fondateur d’Actuel, de Radio Nova, et de Nova Magazine. Patrice Van Eersel fut l’un de ses plus proches collaborateurs,  de la fin des années soixante jusqu’au milieu des années quatre-vingt-dix. Il livre ici le témoignage exceptionnel d’une aventure sans pareille en France.

C'est une véritable Révolution que lance George Maciunas, en 1963, avec son manifeste créateur de Fluxus, révolution dans les Arts, la musique, la littérature. Il propose de nouvelles voies pour la création. Fluxus, c'est "l'Anti-art" de Georges Maciunas, le "Chacun est artiste" de Joseph Beuys, la "Musique-Action" de Nam June Paik, "l'Art total" de Ben, "les Events" de Robert Watts, c'est le "vent qui ne meurt jamais" de Yoko Ono.

Robert Delpire est un historien de la photographie, ami de Man Ray, Robert Frank, Robert Doisneau, William Klein,… Jack Lang, alors ministre de la Culture, le nomme à la tête du Centre National de la Photographie créé en 1982. C’est aussi Delpire qui a inventé la collection Photo Poche, des livres de photo au format poche et à prix modique, et dont le numéro 2, consacré à Henri Cartier-Bresson, s’est vendu à plus de 400 000 exemplaires. Dans C’est de voir qu’il s’agit, sont réunis tous les textes que cet Œil (en référence à la revue dont il a assuré la direction artistique de 1955 à 1962) exceptionnel a consacré à la photographie.

ZE Records est un label de musique installé à New York, co-fondé en 1979 par le Français Michel Esteban. A cette époque, New York est le creuset de tous les courants artistiques underground, et c’est sans complexe que les artistes passent d’un médium à un autre ; Jim Jarmusch joue dans le même groupe que Jean-Michel Basquiat, Alan Vega a « dirigé » une galerie d’art, Patty Smith écrivait de la poésie… ZE Records est alors le label qui capte le mieux cette formidable énergie en enregistrant des artistes qui mélangent funk, new wave, salsa, avec l’énergie restante du punk.  En 1980,  la figure tutélaire de la critique musicale, l’immense John Peel de la BBC, dit de ZE Records qu’il était simplement : « le meilleur label de musique indépendant du monde ». Une source d’inspiration, entre autres, pour James Murphy avec son groupe LCD Soundsystem et son label DFA Records.

En 1929, l'année de l'inauguration du MoMA, Dashiell Hammett, avec son écriture sèche, sans effet, très cinématographique, va bousculer la littérature et donner naissance à ce que l’on appellera par la suite le roman noir. Son influence sera revendiquée par des dizaines d’auteurs, parmi lesquels Ernest Hemingway, Georges Simenon, ou le cinéaste Akira Kurosawa. C’est André Gide qui le publiera en France, chez Gallimard, dès 1932. Moisson Rouge, c’est un peu Les Demoiselles d’Avignon ou la Roue de bicyclette, de la littérature noire. Une référence incontournable.

Palme d’or au dernier Festival de Cannes, The Square raconte les déboires d’un directeur du musée d’art moderne. A travers ce portrait, Ruben Östlund livre aussi une satire du milieu de l’art contemporain dans ce qu’il peut avoir de plus caricatural, un art réservé à une bourgeoisie prétendument  éclairée mais cadenassée dans un carcan de préjugés sans fondement artistique, incapable de voir que l’art contemporain n’est pas forcément moderne.